Ich wusste, dass ich auf keinen Fall die Menge üben konnte, die ich brauchte, und nicht nur meinen Körper vollständig zerstören konnte. Ich fragte mich, wie andere Leute das machten. Im College kam mir nie der Gedanke, dass ich etwas lernen könnte – Universität von Denver, USA, 1989
Online oder offline, Pandemie oder nein, Wellness-Retreats für Musiker liegen voll im Trend. Da in Musikhochschulen und -schulen jetzt so viel mehr im Hinblick auf einen ganzheitlichen Ansatz angeboten wird, machte ich mich daran herauszufinden, warum so viele junge Musiker von alternativer Unterstützung angezogen werden.
In einer Umfrage, die ich kürzlich über das Wohlbefinden von Studenten an Musikschulen und -hochschulen in den letzten fünfzig Jahren durchgeführt habe, wurde deutlich, dass es zu Beginn dieser Zeit viele Horrorgeschichten gibt: Ein Geiger mit einem geschwollenen Handgelenk, dem es verboten ist, sein Finale zu absolvieren Erwägungsgrund, eine Cellistin, deren Bogenarm in schmerzhafte Positionen gedreht wurde und der gesagt wurde, dass es entweder das war oder ein schreckliches Geräusch hatte, ein anderes, das angeschrien wurde, bevor sie sich bewegte, um die Bewegung zu beschleunigen…. Hoffentlich sind die Zeiten solch grausamer Pädagogik zusammen mit sexuellem Missbrauch im Unterrichtsstudio längst vorbei. Viele – nicht alle – Musikschulen und -hochschulen auf der ganzen Welt bieten inzwischen Wellnessprogramme an, die optionale Kurse in Alexander-Technik oder Feldenkrais anbieten. Das Healthy Conservatoires Network zielt darauf ab, das Wohlbefinden in den folgenden Bereichen zu fördern: emotional, intellektuell, finanziell, beruflich, physisch, sozial, spirituell und ökologisch. Die persönliche Initiative eines Schülers, in Wege wie Yoga, Meditation oder Improvisation einzutauchen, wird nicht mehr als verrückt angesehen, obwohl jemand, der unter Lampenfieber leidet, weniger dazu aufgefordert wird, nur eine Banane zu essen und sich das Publikum vorzustellen nackt. Dennoch brachte die Umfrage einige überraschende Ergebnisse hervor, die trotz dieser willkommenen Änderungen darauf hinweisen, dass nicht alles in Ordnung ist.
Während fünfzig Prozent der teilnehmenden Streicher sagten, dass ihr Instrumentallehrer die ganze Person ansprach, gaben neunzig – ein Prozentsatz, zu dem viele Personen gehören, die derzeit am College sind – an, dass die Institution, an der sie studierten, dies nicht tat.
„Sowohl körperliche als auch geistige Spannungen wurden größtenteils unter den Teppich gekehrt. Wenn die Leistung überzeugend war, wurde sie trotz der langfristigen Konsequenzen für den Spieler toleriert. Wenn es die Leistung beeinträchtigte, wurde es meistens als Mangel an Fähigkeiten und Talent interpretiert. “ Royal Academy of Music, Großbritannien, 2007
„Übungsleistungen werden als Härtungsübungen angesehen, um uns daran zu gewöhnen, unter angespannten und / oder unsicheren Umständen zu spielen“, Florida, USA, 2020
Als ich die Kommentare der Leute las, stellte sich heraus, dass die entscheidenden Veränderungen, die in der Musikausbildung stattgefunden haben und weiterhin stattfinden, von einer Generation von Musikern initiiert worden zu sein scheinen, die in und um die 1980er Jahre traumatisiert waren und Schwierigkeiten hatten, Antworten zu finden im Halbdunkel. Viele hörten jahrelang wegen Verletzungen oder psychischen Schäden auf zu spielen. Viele, getrieben von ihrer anhaltenden Liebe zur Musik, suchten Hilfe von außen, und glücklicherweise fanden viele sie.
Ich war einer dieser Menschen, der einem gemeinsamen Bogen folgte, der aus folgenden Elementen bestand: Zu glauben, dass man begabt sein muss, um Musik zu spielen, Leistungsangst, einen physischen oder mentalen Zusammenbruch und eine persönliche Reise.
Bis zum Alter von 16 Jahren hatte, obwohl ich zwölf Jahre lang Cello gespielt hatte, keine einzige Person den natürlichen Körpergebrauch, die Schwerkraft oder den Atem erwähnt. Bei Konzerten litt ich unter verschwitzten Handflächen, Gedächtnislücken, Bogenschütteln, Scham und Demütigung, und als mein geliebtes Banks-Cello bei einem Autounfall zerschlagen wurde, war ich eine leere Hülle. Ich zog nach New York auf der Suche nach Freiheit auf meinem Instrument, lebte aber weiter, wie James Joyce über Mr. Duffy sagte, „ein kurzes Stück von meinem Körper entfernt“ und als ein Freund das sexieste „Take me to the River“ auf der Bassgitarre groovte das hing herum und spielte dann eine Bach-Suite mit völliger Leichtigkeit auf dem Cello eines anderen. Mein Kiefer fiel herunter, als ich mich fragte: Wie tut macht er das Obwohl ich Musik liebte, hatte ich immer noch keine Ahnung, wie es sein könnte, sie zu genießen oder mit anderen zu teilen. Erst als ich eine gefrorene Schulter bekam und der Arzt mir sagte, dass ich nie wieder spielen würde, entdeckte ich Yoga. Ich fing zum ersten Mal an, meinen eigenen Körper zu bewohnen, und es war eine Offenbarung.
Ich glaube, ich gehörte zu vielen Instrumentalisten, die in diesen Jahrzehnten nach Leichtigkeit, Freude und Freiheit in ihrem Spiel suchten, und zum Glück gab es einige weise Wesen, die unseren Weg beleuchteten. Ich erwähne hier einige der Leute, die immer wieder im Gespräch aufgetaucht sind. Die Liste ist keineswegs vollständig, aber es ist faszinierend zu sehen, dass sie alle Frauen sind. Abgesehen von dem offensichtlichen Sexismus im Beruf zu dieser Zeit waren sie vielleicht nicht bereit, „durch Schmerzen zu spielen“, wie es viele ihrer männlichen Kollegen taten (und tatsächlich erwartet hatten) und zu einem verkörperten Ansatz hingezogen wurden?
Jean Gibson lehrte in den 1980er Jahren „Bewegungsbewusstsein“ und arbeitete mit vielen Spielern zusammen, darunter Jaqueline Dupré und Amaryllis Fleming. Jane Cowan studierte bei Casals und lehrte „Wing Bowing“ – ein Ansatz für integrierte Bewegung, der bei ihrem Schüler, dem mittlerweile weltberühmten Cellisten Steven Isserlis, sublim in Aktion zu sehen ist. Ein weiterer ihrer Schützlinge, Steven Doane, ist Autor des Buches Cello Ergnomics und Professor an der Eastman School of Music. An der Ohio State University, informiert durch ihre Alexander-Ausbildung, Barbara Conable schrieb das Buch „Was jeder Musiker über den Körper wissen muss“ „Body Mapping“, Eine Modalität, in der viele Musiker inzwischen trainiert haben. Joyce Rathbone und Joan Dickson, Während sie vielen jungen Musikern ein Gefühl der Verspieltheit vermitteln, haben sie sich dazu verpflichtet, „den falschen Gebrauch von Muskeln rückgängig zu machen“. Vivien Mackie Der in den 1950er Jahren Cello bei Casals und Alexander Technique bei Walter Carrington studierte, schrieb das Buch „Just Play Naturally“, das nach wie vor viele Musiker inspiriert.
Der Vorschlag, den Mackie macht (und der bis zu einem gewissen Grad in ihrem Buch erklärt), ist die Frage, die uns alle nervte. Wie spielt man einfach auf natürliche Weise? Oder „Einfach nur entspannen!“ Oder „Einfach natürlich atmen“? Für diejenigen von uns, die wenig oder kein kinästhetisches, anatomisches oder somatisches Bewusstsein hatten, reichten solche Aussagen, so gut sie auch gemeint waren, nicht aus. Wir wollten wissen wie! Wir haben uns die Darsteller angesehen, die wir bewundert haben und die natürlich gespielt haben, weil so wenige von ihnen es erklären konnten Wie Sie haben es getan, wir haben versucht, es selbst herauszufinden. Ich habe zum Beispiel eine lebenslange Studie darüber gemacht, wie die natürliche Bewegung von Steven Isserlis ‚Bogenarm eine Verlängerung seiner Atmung zu sein schien. Es wurde uns klar, dass es vielleicht, nur vielleicht, nicht darum ging, wie ein Befragter es ausdrückt: „von Gott geküsst oder nicht “. Mit der richtigen Hilfe könnte jeder einen freien Bogenarm haben und Spaß am Spielen haben. Wir mussten die Vielzahl der schlechten Gewohnheiten und Fehlzuordnungen, die sich in unserem Training gebildet hatten, verlernen, verstehen, was natürliche Bewegung war und woher sie kam, und sie dann zulassen.
Body Mapping hat mir geholfen, mich fest in die Gesellschaft der gesamten Menschheit zu versetzen, und dies hat mir ermöglicht, meine eigenen Bewegungsmuster mit Neugier und Freude beim Musizieren zu erkunden.
– – Geiger, Body Mapping Educator, Kanada, 2009
Unter Anleitung der Koryphäen, die uns damals den Weg gezeigt haben, werden viele von uns neben ihrer erfolgreichen musikalischen Karriere jetzt in Disziplinen wie Alexander-Technik, Body Mapping, Feldenkrais, Yoga, Meditation oder Dalcroze ausgebildet, und wir spielen andere Musikstile wie z als afrikanisches Trommeln, Folk, Jazz, Barock, Klezmer und Tango. Am wichtigsten ist, dass wir diese Erfahrungen in unser Spielen und Lehren integriert haben, sodass Körpergebrauch, Atem und Präsenz keine außerschulischen Ergänzungen mehr sind, sondern ein wesentlicher Bestandteil unserer Herangehensweise als Interpreten und Lehrer an alle Musik.
Mein Lehrer hatte selbst eine Verletzung positiv durchgearbeitet und mir geholfen, mit meiner Verletzung umzugehen, aber körperlich und geistig.
Cellist, Australische Nationale Musikakademie, 2010
Dank Peter Buckoke und Judith Kleinman – Bassisten, die ursprünglich von Jean Gibson inspiriert waren, der später als Alexander-Technik-Lehrer ausgebildet wurde – sind AT-Klassen jetzt Teil des Musikstudiums am Royal College of Music in London. Dies ist ein großer Schritt. In meiner Forschung zeigt sich jedoch, dass die Technik nicht bei jedem Anklang findet. Glücklicherweise gibt es eine Vielzahl anderer Modalitäten, die jetzt von und an Musiker privat und in Werkstätten unterrichtet werden.
Ich hatte Drüsenfieber und konnte über drei Monate lang kein Cello spielen. In meiner Heilung fand ich Yoga und seitdem mache ich es in den letzten zweieinhalb Jahren fast jeden Tag. Es hat mein Leben wirklich verändert. Cellist Robert Schumann Institut, Düsseldorf, 2020
Der Atembogen stützt sich auf Yoga, Atem und Achtsamkeit, um Lampenfieber in Bühnenpräsenz zu verwandeln. Das Ausatmen führt den ganzheitlichen Bereich durch und bietet Feldenkrais, Alexander, Yoga, Body Mapping, Atem und sogar Ernährungsberatung. Das Cello Retreat ist ein Kurs, der Präsenz durch die Alexander-Technik erforscht. Achtsames Musizieren bietet Musikern einen sicheren Raum, um durch Körperarbeit, Meditation und mitfühlende Kommunikationsfähigkeiten zu heilen. Dein Körper ist dein Strad ist ein somatischer Ansatz zum Lehren und Aufführen. Das Art of Practising Institute Erforscht Meditation als Schlüssel zu Übung und Leistung… Die Liste geht weiter und viele der Angebote sind in dieser Zeit online verfügbar.
Ich besuchte einen ungewöhnlichen Kurs über Improvisation. Wir haben viele Aktivitäten außerhalb unseres Instruments gemacht, einschließlich Reiten, Fechten, Tanzen und Schauspiel. Nur wenn wir mit uns selbst präsent werden, können wir präsent und im Einklang mit anderen sein. Cellist, Australische Nationale Musikakademie, 2020
Die Kurse, die auf der ganzen Welt stattfinden, werden nicht von schuppigen Rentnern besucht, sondern von lebhaften jungen Fachleuten und Studenten. Einer der Geiger am Royal Conservatoire of Scotland sagt:
(Diese Arbeit ist) ESSENTIAL und nicht etwas, auf das Sie zurückgreifen, wenn etwas schief geht.
Der ganzheitliche Ansatz hat im Kern das Verständnis, dass unser Körper unser Hauptinstrument ist und dass er sich frei und gesund bewegen muss, um Musik zu machen. Es spiegelt auch möglicherweise das häufigste Gefühl wider (zusammen mit den fünfundneunzig Prozent der Befragten, die glauben, dass das Musizieren ein spirituelles Element hat), aus der Umfrage über die fünf Jahrzehnte herauszukommen:
Vor dem Cellisten kommt der Musiker und davor der Mensch. Cellist, UNAM Mexiko 2020
Die jungen Leute, die diese Kurse jetzt füllen, sind unsere zukünftigen Pädagogen. In ihnen sehe ich eine Welt, in der jeder Instrumentallehrer an jeder Institution nicht nur aufgrund seiner Aufführungserfahrung ausgewählt wird, sondern auch aufgrund seines Verständnisses, wie Körper und Geist funktionieren. Wenn dies der Fall ist, sehen wir meiner Meinung nach eine andere Zukunft: Eine, in der ein Schüler, wenn er fragt: „Was passiert in meiner Schulter, wenn ich das tue?“, Eine anatomisch korrekte Antwort erhält; Wenn jemand unter Verspannungen im Ellbogen leidet, anstatt nur aufgefordert zu werden, sich zu entspannen, wird ihm möglicherweise der Vorschlag begegnet, dass sie sich durch ihren linken Sitzknochen verankert. Wenn jemand davon spricht, sich nervös zu fühlen, kann die von ihm verwendete innere Sprache nach schädlichen Urteilen durchsucht und eine leistungsbasierte Meditationspraxis erklärt werden. in dem Urteilsvermögen und Wettbewerb in Freundlichkeit und Mitgefühl gegenüber den Schülern, dem Publikum, den Mitmusikern und sich selbst verwandelt werden und in denen die Freude am Teilen von Musik wiederentdeckt wird.
Mein Lehrer erzählte mir, wie er sich Leistung gerne wie ein Kind im Kindergarten vorstellt, das ein Bild für seine Eltern malt und so aufgeregt ist, es mit ihnen zu teilen. „Ich habe das für dich gemacht!“ – Er hat keine Angst, dass sie ihn nicht lieben werden, weil es möglicherweise nicht genau ihren Gesichtern ähnelt. Es ist ein Geschenk und ich versuche mich auf der Bühne daran zu erinnern. Cellist, Robert Schumann Institut, Düsseldorf, 2015
Dies ist eine Zeit, in der wir keine Perfektion brauchen, aber dringend eine Verbindung brauchen. Wenn Musik aufgrund der Pandemie gezwungen ist, ihre Haut abzuwerfen und eine neue Bedeutung zu erlangen, glaube ich, dass diese Bedeutung aus der Integration resultieren wird. Integration bringt eher Verbindung als Trennung, eher Verständnis als Toleranz. Wir brauchen nicht nur unsere Köpfe und Finger und ein bisschen Talent. Musik machen heißt, wie ein Befragter sagte:der ultimative Ausdruck der Vereinigung von Geist, Körper und Seele “. Und die Möglichkeit dieser Vereinigung gehört allen.
In einem kürzlich geführten Interview sprach Vivien Mackie, einundneunzig Jahre alt, über einen Moment des Bewusstseins, den sie beim Hören von Casals hatte, über seine „Abwesenheit“:Musiker sind die Pfeife, durch die‚ (der Komponist) ‚spricht, und unsere Aufgabe ist es, diese Pfeife so sauber und klar zu halten, dass der Komponist ohne Störung durchkommen kann’. Die Pfeife, von der Mackie spricht, ist weder unser Stradivarius noch unsere Djembe noch unsere Rohrflöte. Es ist auch nicht unser Ego. Es ist das herrliche Instrument, das aus unseren Herzen, Gedanken, Seelen und Körpern besteht und durch musikalischen Ausdruck eine Verbindung in einer Welt herstellt, die nichts mehr braucht.
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